Por Efraín Alavez
Fotografías Adrien H. Tillman
Nacido en Puerto Rico y radicado en Nueva York, el viaje rítmico del baterista y compositor Willy Rodríguez comenzó con los timbales dentro del contexto musical afrocaribeño de su país. Cuando dejó la isla para asistir a Berklee College of Music profundizó y absorbió de las influencias de los bateristas leyendas del jazz. Ahora, su música explora a través de la improvisación libre tal como lo muestra en su segunda producción como líder “In The Unknown (I Will Find You)” de la cual nos platica en la siguiente entrevista.
Platicamos hace dos años del lanzamiento de tu primer disco, ¿cómo ha evolucionado tu propuesta a partir de ese momento hasta hoy?
Como compositor para esta producción específicamente estaba buscando algo más simple para crear un canvas a los músicos que estuvieran en el proyecto. Todavía sigo buscando mi balance perfecto entre la complejidad y la expresión en la composición que siempre he estado explorando. El disco ya estaba hecho desde un año atrás solamente que al estar bajo el sello de Sunnyside Records, ellos decidieron la fecha de lanzamiento y esto hizo que demorara su salida. Como compositor y como artista me siento en el mismo lugar en el sentido exploratorio y de encontrar ese método de expresión que esté conectado directo a mi espíritu y a mi expresión musical.
De hecho, esa búsqueda la has estado haciendo a partir de la improvisación libre
A partir de la interacción de la improvisación libre, obviamente, pero más bien es como el título del disco, en lo desconocido siempre encuentro las cosas que me llenan espiritualmente. El álbum está titulado “In The Unknown (I Will Find You)” motivado por el fallecimiento de mi madre por cáncer. Es una búsqueda a esa conexión con el más allá, básicamente.
La instrumentación que utilizaste es diferente al disco anterior. ¿Fue una decisión consciente o la decidió la música?
He trabajado mucho a trío, actualmente lo sigo haciendo cuando puedo, con Ingrid Laubrock, Brandon López y otros músicos. Siempre con bajo, sax tenor y batería. Pero composicionalmente cuando empecé a explorar con la música que compuse para el proyecto sentí que el piano era más multidireccional y más abierto a lo místico y a lo misterioso que quería que el disco sonara. La decisión de dejar el bajo a un lado la tomé muy rápido, lo supe desde la primera vez que intenté la música y pensé, esto no puede ser con bajo, esto tiene que ser a piano y sax tenor. Me inspiré además en otros proyectos que he visto. Me gusta ese sonido multidireccional que puede ir a cualquier lugar no importa el concepto composicional, simplemente es como si fuera un plano libre de dirección y pienso que el piano en este caso me da eso.
A propósito, Leo Genovese vuelve a grabar contigo, lo hizo en tu primer material y también han colaborado en otros contextos
Leo Genovese es como un papá musical para muchos de los músicos latinos aquí en Nueva York, especialmente la gente que está envuelta en la improvisación contemporánea y en el jazz. Yo le digo el Gandalf latino porque siempre nos está ayudando no importa quien seas, tiene un corazón grandísimo, es una persona que siempre está abierta a ayudar. Musicalmente siempre me he visto atraído a su concepto y obviamente fue el primer músico al que me acerqué. Le expliqué que la idea del disco era muy personal, entendió completamente y se subió al proyecto sin dudarlo.
Leo es una bendición para muchos de los músicos en Nueva York y siempre está buscando trabajar con todo el mundo, no importa su nivel musical. Siempre está tocando con las personas con quien quiere tocar y eso es admirable. Fui a su casa por una hora, un día antes, y mientras nos tomamos un mate le enseñé la música. Es un virtuoso del instrumento, un genio.
La saxofonista Ingrid Laubrock también participó en este material
Ingrid Laubrock es de las personas que está en la vanguardia de la música multidireccional e improvisación contemporánea en Nueva York, especialmente en lo avant-garde. Lleva muchos años haciéndolo, más de veinte. Tiene una manera bien brava y temeraria en cuestión musical sin ningún sentido de cliché o moda. Siempre va más allá en cuestión de la improvisación.
La conocí hace aproximadamente 15 años cuando estudiaba con Dave Liebman y después me la encontré en Nueva York. Fui a escucharla, nos mantuvimos en contacto y empezamos a hacer un trío con Brandon López. Siempre la pasamos súper bien. Un día la invité para este proyecto, le expliqué que era un álbum dedicado a la memoria de mi madre y lo entendió porque ella pasó por un proceso similar con su padre y comprendió completamente a dónde íbamos. Este fue uno de los discos más fáciles que he grabado. Llegamos al estudio y en cinco horas lo hicimos. Ella sin duda es también un genio musical.
“Buscaba que fuera un disco bien expresivo, cinemático de cierta manera y lo que quería era quedarme manejando y guiando este barco musical que va por mar abierto sin ningún destino”. Willy Rodríguez
Lo grabaste en el legendario estudio Rudy Van Gelder, un lugar histórico para el jazz. ¿Influyó en la música?
He tenido dos experiencias impactantes en mi vida. Una de ellas fue al grabar en los estudios Rudy Van Gelder. Entras ahí y es como entrar a un templo espiritual bien profundo. Demasiada música y data han pasado por esas paredes. Es increíble, nunca olvidaré el momento de mi primera vez entrando. Influenció mucho sónicamente al disco. Mi esposa Lydia Liebman fue la que propuso el estudio. Ella me dijo que para la música del disco necesitábamos un piano bien bravo y ahí tienen un Steinway increíble. Fue exactamente perfecto para el proyecto por tener un concepto íntimo y espiritual. Es un cuarto bien especial. Como baterista tienes que estar muy bien controlado y estar bien añejado al instrumento.
Como mencionaste, el álbum fue inspirado por la muerte de tu madre. ¿Cómo viviste ese proceso creativo que te llevó a componer esta música?
El disco se basa en la situación que pasé con mi mamá, un dolor de espalda que resultó ser cáncer. Cuando llegué a Puerto Rico ya estaba bien avanzado el cáncer. Como persona e hijo mi trabajo en ese momento fue hacerla sentir cómoda y feliz, fue muy duro. Yo sentí que emocionalmente no tuve escape. Llegué de Puerto Rico y no escribí música por casi un año. Pero de un día para otro empecé a pensar en mi mamá mucho y dije, tengo que hacer algo, y escribí todos esos temas como en tres días inspirado en lo que pasó.
Tengo la esperanza de volverla a ver, no sé cómo, no sé dónde, pero yo estoy seguro que la volveré a ver y esta música me hace sentir que sí, que en algún momento me encontraré con ella. Por eso compositivamente tenía que ser bien sencillo, tenía que ser bien encantador. La música sentí que era como el vehículo perfecto para expresar esto. Después fui a una boda, me encontré y compartí tiempo con Chris Connors, el productor de este disco que trabajó con Kanye West y con una pila de gente. Le gusta el noise y las cosas weird, rápidamente estuvimos de acuerdo en colaborar y así lo hicimos.
En el disco hay un invitado especial, Allan Harris y el diseño sonoro lo hizo efectivamente Chris Connors
Con Allan trabajo mucho en Nueva York acompañándolo como cantante. Últimamente ha estado trabajando poesía en vivo con sus temas también y me gusta su voz. Tiene un tono bien warm, bien clásico y yo quería algo que fuera así y que sonara bien. Mucha gente lo describe como el Johnny Hartman pero a la misma vez es un poquito más bohemio. Tengo un tema que se llama “The Perplexity of Eternity” que habla de eso, de la eternidad. He estado leyendo mucho de anime japonés, encontré uno de personas que han vivido por una eternidad pero ya no quieren vivir más. Usé a Allan para ese tema que fue bien especial y está compuesto de esa misma manera, es como un loop armónico y melódico con un poema que habla de la eternidad y sus problemas.
Chris es la persona que me encontré en la boda de un buen amigo de mi esposa y obviamente teníamos muchos amigos en común. Él también ha grabado con muchos músicos de la escena contemporánea y avant-garde como Gabriel Zucker, el pianista que es bastante popular ahora mismo en la escena.
Sónicamente él siempre añade cositas a los instrumentos para hacerlos un poquito más místicos, quizás. Grabé el disco y a la semana nos sentamos a mezclarlo y cuando lo hicimos fue que empezamos a usar esa resonancia del estudio para crear atmósferas y temperaturas musicales.
“In The Unknown (I Will Find You)” sale el 13 de marzo de 2026, ¿cuál será la estrategia que seguirán?
Estará disponible en todas las plataformas digitales y también estará física y digitalmente bajo el sello Sunnyside Records en su página web, en la página de Bandcamp y en tiendas de todo Estados Unidos. Es un placer trabajar con ellos.
Para terminar me gustaría agregar que cuando vayan a escuchar la música quiero que piensen que el disco, además de ser una ofrenda musical, es más bien una ofrenda espiritual personal, refleja la paradoja del más allá y lo que pasa después del plano en que vivimos.
Ojalá se inspiren en hacer cosas que tengan cero límites musicales y espirituales y que se sientan cómodos en hacer lo que quieran hacer.
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